Nella seconda metà del 2018, il neurochirurgo italiano prof. Canavero vuole eseguire il primo trapianto di testa umana. Non potendo realizzare l’intervento in Europa o in America per questioni etiche e di credibilità, il professore ha accettato di farlo in Cina. Avrà una clinica messa a sua disposizione a Harbin e un’equipe medica di 150 fra dottori e infermieri.

Cosa ti fa essere ciò che sei? Cosa mi fa essere ciò che sono? Sei un essere umano perché hai un cuore? Perché hai degli occhi, perché hai un cervello? Perché cammini in maniera eretta, perché ti accoppi con piacere? Perché sai leggere, perché sei capace di scrivere il tuo nome, perché riesci a ricordare, perché credi di sapere di esistere? Sei quell’uomo perché hai quel ginocchio, quel dolore alla spalla, quel cuore, quella preferenza per quel budino di vaniglia, quella fede in quel Dio, quel ricordo di quella nonna? Ha un’ importanza da dove viene la tua mano? Il tuo stomaco? Il tuo canto? Ha un’ importanza da dove vengono le tue parole? I tuoi reni? Ti risveglierai come uomo nuovo. Risorgerai dal disfacimento della vita, ringiovanito, abbellito, migliorato, completamente rinnovato. Con il tuo nuovo pene, creato dalle cellule coltivate del tuo cordone ombelicale. Con ovuli freschi, coltivati dalla tua propria pelle per prole senza tempo, impiantati nelle tue ovaie nuove di fabbrica, fecondati con sperma del tuo proprio patrimonio genetico, in modo che Tu, per sempre, Tu possa essere soltanto te stessa, Tu possa rimanere per sempre soltanto te stesso. Non abbia paura: non morirà. Le staccheremo soltanto dei pezzi e li sostituiremo con dei nuovi. La Sua anima sarà conservata e verrà trapiantata in una nuova presenza corporea.

Con la nuova produzione RADIO FRANKENSTEIN, spettacolo teatrale realizzato dalla Markus Zohner Arts Company in collaborazione con il “Joint Research Center” della Commissione Europea, in bilico fra arte e scienza, la ricerca ruota intorno la tematica della creazione e manipolazione del corpo umano e delle sue parti, partendo dagli sviluppi tecnologici più attuali.

 Tra le montagne svizzere, all’inizio del secolo scorso, il medico Henry Frankenstein tenta di realizzare l’impossibile sogno di creare la vita, costruendo una creatura con pezzi di cadaveri. L’esperimento riesce solo in parte, e l’essere si rivolta contro il creatore, seminando lutti e lacrime.

Un capolavoro del cinema dell’orrore, tratto dal romanzo di Mary Shelley e dalla pièce di Peggy Webling: girato con uno stile spoglio e fluido (così da lasciare molto spazio alla scenografia e conseguentemente all’atmosfera opprimente), il film evita gli effetti troppo facili o le scene troppo cruente, ma riesce a descrivere i pericoli e le tentazioni della scienza e contemporaneamente a fare della creatura una “rappresentazione simbolica e metafisica dell’uomo, tormentato e diviso tra la riconoscenza e l’odio per un creatore che l’ha fatto così imperfetto” [Lourcelles].
(da Il Mereghetti. Dizionario dei film 2017, Milano, Baldini&Castoldi, 2016) 

 4.48 Psychosis – Sinfonia per voce sola è una messa in concerto dell’ultimo testo di Sarah Kane: la musica dei suoi versi in risonanza con musiche di Gustav Mahler e P. J. Harvey. Protagonista in scena è la poesia stessa, variegata nelle forme liriche, narrative, dialogiche, grafiche della sua scrittura, testualmente e scenicamente affidata alla voce di Mariateresa Pascale. “Scriverlo mi ha uccisa” annota Sarah Kane sul biglietto allegato alla copia di 4.48 Psychosis lasciata alla sua agente letteraria Mal Kenyon. Il suo ultimo dramma, perfezionato fino all’ultimo istante di vita, è anche il suo testamento poetico. Una scrittura che noi ereditiamo, un atto poetico assoluto di cui ci chiede di essere testimoni, spettatori, amanti: Convalidatemi / Autenticatemi / Guardatemi / Amatemi.

“Non la musica soltanto è chiamata a fare parte della concertazione. Un flusso di immagini tratte dalla disposizione grafica del testo, o ad essa ispirate, si attengono al poema seguendo le variazioni agogico-dinamiche dell’ intera partitura verbale e musicale. Sono diagnosi, numeri, sigle, geometrie e combinazioni di parole, ma anche cancellature, pagine gualcite, pellicole graffiate, coniugate di volta in volta con declinazioni postume, come in effigie, dello spazio scenico: sale da concerto devastate, stanze abbandonate, deserti di contenzione, fabbriche obsolete, teatri in rovina… Le parti dialogiche del poema – le cui voci rinviano, implicitamente, alla stessa Kane e al suo psichiatra – hanno, paradossalmente, valore di tacet. Sono momenti in cui l’opera si sospende (la luce scompare, la musica cessa, le immagini dissolvono) ed il regista si rivolge, letteralmente, all’attrice, che al regista risponde. Ed è proprio per il loro valore di silenzio poetico che sono parte dell’opera teatrale, del concerto, della poesia, come bianchi di scena.”
(Enrico Frattaroli)

 In un macello di Budapest viene assunta una nuova ispettrice della qualità, la giovane Maria. Il direttore finanziario è subito incuriosito dal suo atteggiamento assolutamente riservato e dedito al lavoro con una rigida applicazione delle regole. A seguito di un test psicologico a cui vengono sottoposti tutti i dipendenti, emerge che entrambi sognano regolarmente di trovarsi in un bosco mentre nevica, lui nel ruolo di un cervo e lei nel ruolo della femmina. Messi a conoscenza di questo fatto, i due iniziano un problematico avvicinamento. Entrambi sono deprivati di qualcosa: lui ha il braccio sinistro paralizzato, lei ha congelato tutto quanto riguarda la relazione con gli altri bloccandosi a uno stadio infantile. Mentre i sogni restano comuni, le sensazioni e le parole si sforzano di trovare una sintonia che si rivela difficile da conseguire.
(da Giancarlo Zappoli, in www.mymovies.it)

Una favola divertente e amara, irta di domande insidiose intorno al sentimento del bene e del male, della bontà e della cattiveria, della sopraffazione e della solidarietà. In questo testo Brecht trasforma in epica e poesia i grandi movimenti della storia, della politica, dell’etica. L’opera colpisce per l’equilibrio mirabile tra uno sguardo freddo e analitico sul tessuto sociale, politico ed economico, la profetica ironia verso gli orrori del capitalismo e un’accorata vena poetica. Dominano in apertura e in chiusura le esilaranti figure delle tre divinità in missione per conto di misteriosi superiori, in giro per il mondo a cercare anime buone. Se le troveranno, il mondo “può restare com’è”. Ecco dunque in scena, accanto al vagare degli umani, anche quello incerto degli dei, trasformati con gusto beffardo in un improbabile trio sceso in terra a premiare la bontà, preoccupate soprattutto di salvaguardare la loro celeste carriera e il cui unico epilogo possibile, dopo il disordine causato dal loro inopportuno intervento, è una rapida ritirata verso l’alto. 

J ha quattordici anni. J vuole il pronome “they”. “They” vuol dire “loro”. J vivono con i genitori nella periferia di Chicago. J stanno esplorando la loro identità di genere mentre seguono una terapia ormonale per ritardare la pubertà. Dopo due anni di terapia, J devono decidere se effettuare o no la transizione. Durante il week-end decisivo, mentre i loro genitori sono in viaggio, la sorella di J e il suo ragazzo iraniano arrivano per prendersi cura di loro.

They è un film della giovanissima regista iraniana Anahita Ghazvinizadeh, presentato al 70esimo Festival di Cannes e molto apprezzato da pubblico e critica al 35esimo Torino Film Festival. Prodotto con il supporto di Jane Campion, è il racconto delicato e allo stesso tempo potente della difficile lotta per la propria identità di un quattordicenne che ha deciso di seguire una terapia medica che blocca lo sviluppo, per poter prendere tempo e scegliere se “effettuare la transizione”, perciò se essere uomo o donna.
(da www.cineforum.it)

#Female Pleasure si schiera a favore della liberazione della sessualità femminile nel XXI secolo mettendo in dubbio sia millenarie strutture patriarcali, sia la cultura porno, divenuta ormai onnipresente. Il film accompagna cinque donne straordinarie per tutto il globo, rivelando legami universali e mostrando in che modo queste persone coraggiose sono riuscite ad affermare la loro sessualità in nome di un rapporto egualitario e gioioso tra i sessi. Quello che propone Barbara Miller è un vero giro del mondo, compiuto con un reportage che mette in stretta relazione la religione e la donna. Una relazione dove, in continenti, culture e fedi diverse, la costante sembra la stessa: la donna è prima di tutto corpo. Su questo corpo lei non ha diritti, è una proprietà altrui destinata alla procreazione e al piacere maschile. È uno strumento di provocazione che va controllato, punito, nascosto. Qualcosa di cui vergognarsi.
(dal Catalogo del 71esimo Locarno Festival e da quello della “Semaine de la critique” 2018)

Laure, una ragazzina di dieci anni, si trasferisce con la famiglia in un nuovo quartiere, e viene scambiata

da Lisa per un maschio. Così si presenta agli altri ragazzi come Michael e, con la complicità della sorellina,

persevera nella finzione fin quando il “travestimento” verrà scoperto.

Ritratto di un’adolescente che non sta molto bene nella sua pelle (…) e che la regista-sceneggiatrice tiene lontano sia dalla

sociologia che dalla psicologia (…) Al centro della storia c’ è “solo” il mistero e l’ambiguità di un’ identità in formazione,

raccontato attraverso l’osservazione pudica e delicata dei primi sussulti sessuali di un’adolescente. Straordinaria la verità

che sanno trasmettere i due piccoli protagonisti, anche per merito di una fotografia (di Chrystel Fournier) che li segue senza

mai intimorirli o condizionarli. Il titolo è un termine inglese che significa “ragazzo mancato”.

(da Il Mereghetti. Dizionario dei film 2017, Milano, Baldini&Castoldi, 2016)

 1989: un’orgogliosa comunista della Ddr entra in coma dopo un attacco di cuore. Quando ne esce, il Muro

è caduto e il virus del capitalismo ha attecchito ovunque; ma per evitarle una ricaduta fatale, i figli Alex e

Ariane le ricreano attorno un mondo di menzogna in cui il socialismo esiste ancora.

Scritta dal regista con Bernd Lichtenberg (debitrice del racconto Rip van Winkle di Washington Irving!), una commedia

fondata su un paradosso esile ma accattivante: che il socialismo reale sia stato vissuto dai suoi militanti come una specie di

“grande madre”, con i difetti e i pregi di un’ ingombrante genitrice. Non mancano idee irresistibili, come i falsi telegiornali

che millantano una riunificazione alla rovescia, con i berlinesi dell’Ovest in fuga dalle “ false certezze” del liberismo (…)

(da Il Mereghetti, cit.)

 La chiave di lettura di Enigma sta nel sottotitolo: “niente significa mai una cosa sola”, ogni elemento reale,

ogni dato di conoscenza si rivela poi “altro” da ciò che pareva essere. Ci troviamo a Berlino circa vent’anni

dopo il fatidico 9 novembre 1989 in cui il Governo della Repubblica Democratica Tedesca decretò la soppressione

del divieto per i suoi cittadini di passare liberamente dall’altra parte del Muro che fino ad allora

aveva diviso in due la città, il paese e il mondo intero. Ed ecco che vite, esperienze, certezze, lutti e speranze

si frantumano, si incontrano, si mischiano. Decifrare il senso della vicenda che lega i due personaggi (Hilder,

il padrone di casa e Ingrid, la donna cui presta soccorso) è il compito a cui l’autore chiama i personaggi

stessi ma anche il pubblico, attraverso la suspense del gioco teatrale, in un crescendo degno di un thriller

psicologico. La posta in gioco non è solo la possibilità di sbrogliare i tanti piccoli enigmi delle due vite che

si intrecciano sul palcoscenico, ma quello di penetrare il più grande degli enigmi, quello della Storia stessa.

 Polonia, 1962. La novizia Anna sta per prendere i voti, ma la madre superiora vuole che prima incontri sua

zia Wanda Gruz, giudice fedele al regime, che le rivela la sua nascita ebraica, che si chiama Ida Lebenstein

e che i genitori sono morti durante la guerra (…) Il confronto con un passato nascosto sarà drammatico per

Wanda, mentre Ida sarà costretta a chiedersi se tornare in convento.

Al suo quinto lungometraggio, Pawlikowski (che firma la sceneggiatura con Rebecca Lenkiewicz) gira per la prima volta

nella natia Polonia, scavando dentro le ferite della Storia, dove la verità sulla famiglia di Ida diventa la ricerca su un passato

a lungo rimosso, sullo sfondo di un Paese dilaniato tra cattolicesimo e marxismo. Con un’economia di mezzi ed effetti

ammirevoli, dentro a immagini di grande rigore estetico (…), le due donne cercheranno di ritrovare una verità che in molti

vorrebbero nascondere e che anche la zia ha qualche ragione per lasciare parzialmente oscura (…) Questo film sorprendente

e toccante, appassionato e lucidissimo, non cerca colpevoli ma non assolve nessuno. Oscar per il miglior film straniero.

(da Il Mereghetti, cit.)

 Quando compone, Marco Santilli pensa in italiano. Clarinettista ticinese da tempo affermato sulla scena

musicale della Svizzera tedesca, lancia un ponte verso sud anche con il suo nuovo quartetto CheRoba. E i

quattro musicisti che lo compongono interpretano i suoi brani come se li avessero portati in giro per anni

nei club. È un universo fatto di reminiscenze dello scrittore Hermann Hesse a Montagnola, melodie ispirate

a una poesia dialettale, ballate abilmente tessute, citazioni della tradizione jazzistica e improvvisazioni scatenate.

Canzoni e jazz si fondono in una poetica miscela di stili e immagini che vanno in scena sotto l’occhio

della betulla.

 Ben e la moglie hanno scelto di crescere i loro sei figli lontano dalla città e dalla società, nel cuore di una

foresta del Nord America. Sotto la guida costante del padre, i ragazzi, tra i cinque e i diciassette anni, passano

le giornate allenandosi fisicamente e intellettualmente, finché la morte della madre, da tempo malata,

li costringe a intraprendere un viaggio nel mondo sconosciuto della cosiddetta normalità: viaggio che farà

emergere dissidi e obbligherà Ben a mettere in discussione la sua idea educativa.

L’attore Matt Ross, alla sua seconda regia, scrive e dirige un film intelligente ed emozionante, che sotto la facciata carnevalesca

e un po’ vintage, tocca temi più contemporanei e meno comuni di quanto si possa pensare (…) Ciò che rende Captain

Fantastic un film meno scontato del previsto, è il suo mettere al centro il tema dell’educazione, problematizzandolo (…):

facendo scontrare l’utopia con le difficoltà oggettive della sua messa in pratica e affidando il ruolo ad un Viggo Mortensen

che incarna perfettamente l’ambiguità del padre, compagno e dittatore.

(Marianna Cappi, www.mymovies.it)

 Spettacolo in lingua tedesca, di facile comprensione

Interamente composta da attori affetti da Trisomia 21 (sindrome di Down), il Theater Hora è una compagnia

ormai nota a livello internazionale per la radicalità del suo lavoro: i suoi membri, tutti professionisti del teatro,

non si fanno semplicemente dirigere, ma portano in scena le loro idee, le loro emozioni e la loro estetica. Insignito

del Gran Premio Svizzero di Teatro Anello Hans Reinhart 2016, il Theater Hora è abituato a superare

i limiti del possibile – e a farli superare al suo pubblico. “Bob Dylans 115ter  Traum” si ispira alle canzoni e alla

vita di Bob Dylan, ma soprattutto ai suoi comportamenti originali e alle sue particolari strategie artistiche.

Per uno show opulento e anarchico, che gioca con le forme e le convenzioni che l’universo della cultura pop

ha creato nell’ultimo mezzo secolo.